Why Is Figuration in Painting Is On the Rise? – ARTnews.com

ichn 1978 Gründer des Neuen Museums Marcia Tucker eine Ausstellung mit dem Titel „Schlechte Malerei“ mit figurativen Werken, auf die sie bestand, waren tatsächlich gut. In Gemälden von Künstlern wie William N. Copley, Joan Brown und Neil Jenney herrschten bizarre Szenen vor, in denen sich langgliedrige Figuren durch Städte schlängelten; Die Arbeit war absichtlich schlüpfrig und stellte sexuelle Sitten auf die Probe. Zu dieser Zeit galt der Abstrakte Expressionismus mit seiner tapferen Pinselführung noch immer als Inbegriff des Kunstmachens, und Maler – soweit sie am Ende eines von der Konzeptkunst dominierten Jahrzehnts existierten – standen an der Schwelle des Machos Neo- Expressionismus von Julian Schnabel und seinen New Yorker Kohorten. “Schlechtes Malen” war als Affront gedacht und hat funktioniert. In einer ätzenden Rezension im Artforum schrieb ein Kritiker: “Am glücklichsten sind diejenigen, die die Show betraten, viele schlechte Gemälde sahen und gingen.”

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Es ist kurios zu denken, dass figurative Malerei jemals so provokativ gewesen sein könnte. In den letzten Jahren in New York bringt jede Kunstsaison eine neue Portion mit. Anfangs war es aufregend: eine willkommene Erleichterung von der marktspekulantenfreundlichen prozessbasierten Abstraktion, die der Kritiker Walter Robinson denkwürdigerweise als Zombie-Formalismus bezeichnete. Dieser Trend hat seinen Lauf genommen, und 2014 zeichnete sich eine Reihe von Figuren ab, deren Marke des Surrealismus besonders für das Chaos des digitalen Zeitalters geeignet zu sein schien. Anstelle dessen, was Jerry Saltz “Crapstraction” nannte, gab es Bilder, in denen sich Körper in unnatürlichen Posen verzerrten; bizarre Zusammenstellungen von Objekten, die sich bedeutungsvoll anfühlten; provokative Mischung kunsthistorischer Tropen; zusammengebrochene Trennungen zwischen Mann und Frau, analog und digital, real und irreal; Anspielungen auf aktuelle Ereignisse mit einigen eigenwilligen Änderungen. Es war eine Injektion von Vitalität in ein Medium, das zynisch geworden war.

Das Problem ist, dass sich dieser Stil nicht mehr weiterentwickelt hat. Während die Welt durch konservative politische Regime, neue Kriegsgefahren und ein verstärktes Bewusstsein für langjährige Formen von Vorurteilen verändert wurde, hat sich die Figuration größtenteils in derselben alten quasi-surrealistischen Blase entwickelt. In letzter Zeit scheint der Lebenszyklus dieses Modus unnatürlich verlängert zu sein. Willkommen bei der Zombie-Figuration.

Mathieu Malouf, Ausbruch, 2020.

Mathieu Malouf, Ausbruch, 2020.
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Greene Naftali

Lassen Sie uns klar sein: Die meisten Praktizierenden der Zombie-Figuration sind gute Künstler; Ihre Arbeit bringt die Dinge einfach nicht mehr voran. In seinen großen Leinwänden stützt sich Mathieu Malouf auf die Popkultur als Material (zu seinen Themen gehören Olivia Newton John und Gremlins) und er möchte zum Beispiel provozieren, wie Eddie van Halen auf einer Gitarre zerfetzt, deren Hals zufällig auch ein ejakulierender Penis ist . Malouf ist ein großartiger Stylist – in The Kiss (ungleiches Paar), 2020, gelingt es ihm, das Paar in der legendären Rodin-Skulptur überzeugend durch Miss Piggy zu ersetzen, die Kermit den Frosch leckt -, aber der Gesamteffekt ist der eines snarky Einzeilers. Viele seiner Gemälde haben echte Pilze auf ihren Leinwänden. Wenn Sie den Grund dafür nicht herausfinden können, dürfen Sie sich nicht auf den Witz einlassen.

Andere junge figurative Maler, die auf dem Markt auf dem Vormarsch sind, demonstrieren Variationen der Malouf-Methode: Sie kombinieren mehrere unterschiedliche Dinge und nennen es ein Bild. Jamian Juliano-Villani macht absurde Szenen, in denen eine endlose Menge unterschiedlicher Objekte kollidieren. Emily Mae Smith hat eine unwahrscheinliche Anzahl von Kunstwerken erhalten, indem sie nur berühmte Gemälde nachgebildet hat, bei denen die menschlichen Motive durch Besenstiele ersetzt wurden. Issy Wood verwendet eine eintönige Palette, um Körperteile darzustellen, die im Besitz verschiedener Arten von Waffen, Haushaltsgegenständen und Dekorationen sind und manchmal mit diesen verschmelzen.

Es gibt viele andere Künstler wie diese. Der Einfluss des Surrealismus hängt stark von ihnen ab, und es scheint kein Zufall zu sein, dass ihr Aufstieg mit einer Reihe von Retrospektiven zusammenfiel, die Giganten dieser Bewegung gewidmet waren, darunter Leonor Fini und Dorothea Tanning. Fini und Tanning hatten eine Vorliebe für bizarre Erotik und angstauslösende Gegenüberstellungen, ein Ansatz, der der heutigen Crew junger Maler bei ihren Versuchen, die geschlechtsspezifischen Binärdateien zu verbessern und konservativ gesinnte sexuelle Normen zu dekonstruieren, gute Dienste leistet. Leider ist das, was sie anscheinend nicht von ihren Vorfahren übernommen haben, ein Gefühl der Subtilität oder Nuance.

Peter Saul, Vietnam, 1966.

Peter Saul, Vietnam, 1966.
Sammlung des Künstlers.

Vielleicht ist das Peter Sauls Schuld. Größer als die Surrealisten für diese jungen Maler und zeitnah näher rückt der Einfluss von Saul, dessen Retrospektive im Neuen Museum, die schließlich im Alter von 85 Jahren erreicht wurde, durch das Coronavirus unterbrochen wurde. Die Arbeit von Malouf & Co. ist vielleicht nicht so problematisch wie die von Saul, aber auch weniger aufregend.

“Irascible” war einer der Begriffe, die ursprünglich für die Abstrakten Expressionisten verwendet wurden, aber es könnte noch besser zu Saul passen, der ab Anfang der 1960er Jahre anfing, freche Gemälde zu machen, die die Hifalutin-Tendenzen dieser Bewegung fälschten, oft mit Bezug auf Superman und popkulturelle Ikonen. Seine besten Werke sind jene aus der Mitte der 60er Jahre, die offenkundige phallische Referenzen und Kugeln enthalten, die durch überfüllte Kühlschränke sausen, aber das, was danach kam, hat jüngere Künstler angesprochen.

Seit den späten 60er Jahren fertigt Saul weitläufige Leinwände an, die auf aktuellen Ereignissen basieren – Geschichtsmalereien in derselben Linie wie die von Ingres und Delacroix -, die vor politischem Unwohlsein brodeln. Sie sind voller unhöflicher Allegorien: In einer von 1966 namens Vietnam schneidet eine gekreuzigte Figur mit der Aufschrift „GOTT“ einen amerikanischen Soldaten nach oben. In einem anderen von 2017, Donald Trump in Florida, verwandelt sich das gleichnamige Thema in einen großen, hässlichen Alligator, der auf Florida und Trumps Mar-a-Lago Resort dort anspielen soll.

Peter Saul, Donald Trump in Florida, 2017.

Peter Saul, Donald Trump in Florida, 2017.
Mit freundlicher Genehmigung der Hall Art Foundation.

Saul ist ein schillernder Formalist, und sein Auge wird nie müde, sich im Zickzack um seine Leinwände zu drehen. Aber wenn sein grafisch gewalttätiger und sexueller Inhalt einst eine politische Reaktion hervorrief, neigt er jetzt dazu, auf andere Weise zu beleidigen. Einige seiner Gemälde aus der Zeit des Vietnamkrieges zeigen asiatische Frauen, die von Amerikanern mit Penissen vergewaltigt werden, die sich über die Leinwand winden. Die Augen der Frauen verwandeln sich in Schlitze, und ihre Zungen räkeln sich wie tote Comicfiguren. Dies ist keine Anomalie in Sauls Oeuvre, in der die politische Aktivistin Angela Y. Davis von Messern durchbohrt gezeigt wird und Gefangene in Abu Ghraib als unreine Fleischklumpen erscheinen. Die von Massimiliano Gioni und Gary Carrion-Murayari kuratierte Ausstellung des Neuen Museums hat die Unhöflichkeit von Sauls Gemälden nicht heruntergespielt, aber auch nicht genug getan, um die wirkliche Politik im Spiel richtig zu untersuchen.

Daneben steigen Surrealismus über Saul ist eine neue Art der Aneignungskunst. Die Werke von Sam McKinniss kopieren fröhlich Bilder aus den Massenmedien und lassen sofort erkennbare Bilder ohne Kontext wieder aufflammen. In einem Titel mit dem Titel Lindsay (2019) erstellt er ein Foto von Lindsay Lohan, das kurz vor ihrer Verhaftung aufgenommen wurde, weil sie angeblich einen Mann mit ihrem Auto in New York geschlagen und aus der Szene geflohen war. McKinniss scheint es zu genießen, das Bild zu stehlen, Lohans verwirrten Gesichtsausdruck und sein schmutziges Make-up hervorzuheben, und er hat den Witz in einer kürzlich gezeigten Show noch verstärkt, indem er Lindsay in der Nähe eines anderen Gemäldes ausstellte, das auf einem Werbefoto für das Remake des Disney-Films The Parent Trap von 1998 basiert Ein 11-jähriger Lohan spielt Zwillinge in doppelter Pflicht. Es ist eine Art lustige Geste, aber letztendlich vapid und sogar ein wenig grausam.

Sam McKinniss, Lindsay, 2019.

Sam McKinniss, Lindsay, 2019.
Mit freundlicher Genehmigung von JTT, New York.

Leidy Churchmans Aneignungen sind kühler als die von McKinniss: ein Screenshot eines Videos der New York Times auf YouTube über Buddhismus, eine online gefundene chintzy-Beschilderung (eine in schlechter Schreibschrift lautet „The Laundry Room“), ein Bild einer liegenden Buddha-Skulptur in Sri Lanka. Wie bei McKinniss ist Churchmans Haltung gegenüber Bildern nicht hierarchisch. Leider ist unklar, was mit diesem künstlerischen Diebstahl erreicht werden soll. Diese Künstler scheinen darauf hinzudeuten, dass im digitalen Zeitalter die von Malern seit langem geschätzte Originalität negiert wurde. Dies ist jedoch weder aufschlussreich noch ironischerweise so originell, da solche Themen seit der Übernahme durch die Maler der Bildergeneration in den 1980er Jahren künstlerisches Futter waren.

In jüngster Zeit haben einige Künstler einen Weg für die Figuration vorgeschlagen. Jeanette Mundt verwendet Bilder und konzentriert sich lose auf visuelle Tropen, die die Kunstgeschichte durchdringen. In einem wiederkehrenden Bild zeigt sie eine tätowierte Jungfrau Maria-ähnliche Figur, die von Flammen verzehrt wird. In einem anderen Fall kauert eine nackte Frau auf einem nackten Bett und deutet an, dass sie entweder ein Künstlermodel ist oder sich auf einen Sexakt einlässt. Mundt versucht nicht nur zu kooptieren, sondern mit diesen Flammen Bilder zu zerstören, die seit langem verwendet werden, um Frauen zu erniedrigen. Im Bergbau der Figurationsgeschichte spielen ihre Bilder produktiv an ihren Grenzen.

Betrachten Sie Samson, Gall 3, 2020.

Betrachten Sie Samson, Gall 3, 2020.
Mit freundlicher Genehmigung von Perrotin, New York.

Dieser Ansatz des Spiegelsaals könnte auch für ein Gemälde von Hamishi Farah aus dem Jahr 2018 gelten, ein malerisch aussehendes Bild eines Jungen, der eine Muschel wiegt. Trotz seines bescheidenen Stils hat das Gemälde einen hässlichen Kontext. Der Junge ist der Sohn der Künstlerin Dana Schutz, und Farah machte das Gemälde, nachdem Schutz auf der Whitney Biennale 2017 ihr eigenes Gemälde Open Casket gezeigt hatte, ein kontroverses Werk, das auf einem Foto von Emmett Tills Leiche basiert. Farahs Gebrauch der Figuration verwandelt den Stil in eine Form der Rache.

Arbeiten wie Farahs erkennt an, dass es nicht ausreicht, Kunstwerke zu schaffen, die sich nur auf sich selbst beziehen, Bilder zu recyceln und / oder sie in lahmen surrealistischen Tableaus neu anzuordnen. Zu diesem Zweck hat eine wachsende Zahl von Künstlern begonnen, sich auf das zu konzentrieren, was jenseits der Leinwand existiert. Im vergangenen Frühjahr stellte sich heraus, dass insbesondere die Porträtmalerei eine kleine Renaissance erlebte und Künstler kreative Wege fanden, um damit Ideen über historisch marginalisierte Gemeinschaften zu kommunizieren.

Jordan Casteel, Charles, 2016.

Jordan Casteel, Charles, 2016.
Mit freundlicher Genehmigung von Casey Kaplan, New York.

Gleichzeitig mit der Saul-Umfrage gab das Neue Museum Jordan Casteels magnetischen Gemälden eine volle Etage, von denen viele Fremde in Harlem in einer Weise darstellen, die an Alice Neel erinnert. Casteels Arbeit ist immer noch rau an den Rändern – eine Museumsausstellung dieser Größenordnung, die gerade erst 30 Jahre alt geworden ist, könnte für ein noch in der Entwicklung befindliches Werk zu groß sein -, aber die ausgestellte Kunst zeigte ihre Fähigkeit, langjährige Porträtstile mit dem heutigen Fokus zu synthetisieren zu Geschlecht, Sexualität und Rasse. In Devan (2014) zeigt sie einen nackten Mann auf einem grünen Stuhl, hinter ihm ein Poster von Trayvon Martin. Devans Haut ist in Purpurtönen gehalten, als ob die Zuschauer sich fragen würden, warum sie ihn als Schwarz betrachten könnten.

Ein ähnliches Interesse an Rassen durchdrang Cinga Samsons Ausstellung in der Perrotin-Galerie. Die meisten Bilder in der Show zeigten schwarze Männer oder Frauen, die frontal vor dem Betrachter standen. In der Dämmerung dargestellt, posieren Samsons melancholische Motive entschlossen für den Künstler, einige umklammern Einkaufstaschen mit Markennamen. Samson, der in Kapstadt lebt, hat beschrieben, wie er als Stilllebenmaler angefangen hat, bevor er realisierte, dass er Bilder schaffen wollte, die nicht für weiße westliche Betrachter gedacht sind. Vielleicht als Hommage daran hat Samson seine Bilder etwas unleserlich gemacht – die Motive haben mandelförmige Augen, aber es sind weiße Hohlräume – ihre innere Welt ist für uns unzugänglich. Im Gegensatz zu so vielen figurativen Gemälden, die sich anstrengen und attraktive Bilder anstelle fleischiger Konzepte bieten, sind Samsons Gemälde eine Herausforderung. Seine eindringlichen Gestalten wagen es den Zuschauern, eine neue Art des Lesens zu finden.

Eine Version dieses Artikels erscheint in der Sommerausgabe 2020 von ARTnews unter dem Titel „Nacht der lebenden Figuration“.

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